Las guitarras resonadoras II. Tipos
Continuamos con las guitarras resonadoras, comentando los tipos que existen.
TIPOS DE GUITARRAS RESONADORAS
Las guitarras resonadoras se dividen fundamentalmente en dos grupos, aunque como veremos más adelante, no son categóricos:
Cuerpo de metal: También llamadas genéricamente National. Tiene resonadores de cono único o tricono. Se usan principalmente en blues y música hawaiana. Los materiales usados principalmente son latón con capa de nickel, acero y alpaca (german silver).
Los resonadores de cono único (derecha), como su propio nombre indica, tienen sólo un cono de
aluminio de 9,5′’ (pulgadas) de
diámetro que tiene una “galleta” (biscuit)
de madera en el vértice superior del cono. Esta “galleta”, de arce
(aunque pintada de negro) tiene una selleta de madera encima que
transmite las vibraciones de las cuerdas al cono. Al contrario que en
una guitarra acústica, donde la vibración de las cuerdas se transmite a
toda la tapa, en una resonadora se transmite al cono, y el cuerpo actua
como el mueble de un altavoz. Debido a su transmisión directa, las
guitarras de resonador único son alcanzan el mayor volumen sonoro. En un tricono (izquierda),
hay tres conos de 6′’ de diámetro en triángulo. Dos de los conos están
en el lado de las cuerdas graves y uno en el lado de las agudas. En
lugar de una “galleta” de madera, hay una T de aluminio que conecta el
centro de cada cono. Una selleta de arce se coloca sobre este puente en
T. La vibración de las cuerdas va a través de la selleta, luego al
puente en T y después los tres conos. Debido a esto, el sonido no llega
a tener tanto, aunque el sustain es más largo y el tono, al resonar tres conos, tiene un mayor número de armónicos.
Una Triolian (modelo muy muy parecido al Duolian, con mástil de arce) acabada en Walnut. El diapasón es arce, aunque no lo parezca. |
Los modelos más característicos con resonador de cono único son la Style O (famosa por ser la que aparece en la portada del disco “Brothers in arms” de Dire Straits), con cuerpo de latón, mástil de arce y diapasón de ébano, terminada en acabado brillante y dibujito hawaiano; y la Duolian (que no se fabrica, el equivalente es la Delphi, con algunos pequeños cambios, como el tipo de pintura y el diapasón), con cuerpo de acero, mástil de caoba y diapasón de arce pintado o palorrosa, y acabada en colores.
Existen algunos casos de cono único con cuerpo de madera, como el Estralita, aunque están menos difundidos que los de cuerpo de metal.
Los resonadores de cono único son más utilizados para tocar estilo fingerpicking, aunque muchas veces se utilizan para slide, en estilos como el blues o el jazz “de principios de siglo”. Comparados con un tricono, tienden a tener un sonido con más ataque, volumen y menos sustain.Es raro encontrar una resonadora de cono único con el mástil “squareneck” (más adelante lo comento un poco más esta distinción)
Además de los casos totalmente acústicos, la actual National tiene algunos modelos de cono único eléctricos, con cuerpo de madera macizo y pastillas eléctricas, tipo P-90, las Resolectric y Resolectric Jr. Estas guitarras capturan mucho el tono de una resonadora siendo una guitarra eléctrica y permite su uso en circunstancias de directo. La Resolectric tiene además un piezo diseñado especialmente para resonadoras.
 Un Style 2 |
El otro tipo de resonadores con cuerpo de metal son los triconos, con tres conos en lugar de uno sólo. Como se ha dicho arriba, el puente, en lugar de ser una “galleta” de arce, como en el caso del resonador único, tiene una T de metal que reparte la presión sobre los tres conos. Esta T hace un efecto raro en la tapa del resonador, quedando asimétrico. Los modelos son iguales en materiales y sonido y se diferencian en la ornamentación. Así, un Style 1 no tiene ningún dibujito, y un Style 4 (el más ornamentado) tiene un dibujo grabado muy elaborado.
Ademas, no tienen esas efes que tienen los de cono único, sino que tienen una rejilla, lo que les da un efecto mucho más “Art Deco”
En cuanto al sonido, se diferencian de los de resonador único en que tienen un sustain mucho mayor, un menor volumen y menor dinámica. Es muy común encontrarlos con mástil “squareneck” y suelen utilizarse para tocar slide. Su sonido se describe como más “complejo” y dulce comparado con el sonido “rudo” de un único cono. Esto es debido a que los tres conos producen
Como eran (y siguen siendo) más caros que los de resonador único, los ejemplares vintage son más difíciles de encontrar, además de ser más caros, al haberse producido muchas menos unidades. Durante los años 30, los resonadores de cono único se vendieron muchísimo, al ser unas guitarras efectivas y relativamente baratas (dentro de la crisis en los USA en los años 30)
caracterizan por llevar un resonador distintos a los anteriores, de tipo “araña”. Este resonador se diferencia del de cono único en que el cono, de 10 1/2″ tiene su vértica superior y la base en el mismo lado, es decir, tiene una forma como de W (ver imagen a la derecha). El puente descansa sobre una “araña” de ocho brazos que reparten el sonido por todo el cono, en lugar de transmitir todo el sonido al vértice del cono. Además, en algunos casos se añaden unas cámaras de resonancia dentro del habitáculo donde está el cono que cambian más el tono.
El sonido de un resonador de araña es más nasal y más dulce (ayudado por el hecho del cuerpo de madera) y menos “rasposo” que el sonido de un cuerpo de metal.
Los cuerpo suelen estar hechos de madera de arce laminada. Debido a que se estima que el 80% del sonido es producido por el resonador, casi nunca se utiliza madera maciza, ya que su incicencia en el sonido se considera mínima en el mejor de los casos.
Los dobros suelen tener unos agujeros cubiertos de una malla (con efecto colador de cocina) en lugar de las F’s o la rejilla característica de los resonadores de cuerpos de metal. Además, generalmente suelen ser squareneck, ya que se suelen tocar tipo hawaiano.
A pesar de que la diferencia entre los dos tipos de cuerpos (madera y metal) no es ni mucho menos categórica y que existen casos de resonadores de araña en cuerpos de metal, son bastante raros. La producción de Dobros por parte de Gibson (propietaria del término “Dobro”) es bastante pequeña comparada con la de otros tipos de resonadores y sólo un modelo tiene cuerpo de metal (todos con resonador de araña). Además, existen resonadoras de marca National con resonador de araña y cuerpo de madera.
Los Dobros se utilizan fundamentalmente ( y casi exclusivamente) en música country y bluegrass, desde que lo introdujese el grupo Flat & Scruggs (padres del bluegrass) en los años 50. El estilo típico de tocarlo es con tres dedos (pulgar, índice y medio) con púas metálicas, en parte debido a que el resonador es más delicado y no se recomienda golpearlo fuertemente con una púa o similar.
Las guitarras resonadoras I: Historia y sonidos
Recuperamos (y ampliamos) este articulillo sobre
las guitarras resonadoras
Lo he dividido en tres apartados para que sea más cómoda su lectura.
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John Dopyera, con su violín resofónico |
HISTORIA DE LAS GUITARRAS RESONADORAS
Antes de la amplificación eléctrica, el volumen
de los instrumentos era muy importante. Inspirados por los inventos del
fonógrafo, se intentó producir un altavoz que amplificara el sonido
natural de los instrumentos.
En la década de los 10 se creó un violín resonador, lo que hizo luego aplicar el mismo principio a las guitarras. John Dopyera (inmigrante checo) y George Beauchamp crearon la primera guitarra resonadora con sistema tricono (más adelante veremos los tipos) y fundaron la compañía National Instruments.
Posteriormente, se desarrolló también el sistema de cono único, que había sido desechado, por
resultar más barato de fabricar. Durante la Gran Depresión (se patentó el sistema en 1929) ayudó mucho a la compañía. Aunque se pensó principalmente en música hawaiana (entonces muy de moda, Martin por entonces se forraba vendiendo ukeleles) y jazz, enseguida se empezó a utilizar para blues, que normalmente era tocado por un único intérprete en las calles y locales.
Dopyera abandonó National
por desavenencias con Beauchamp, fundando la compañia Dobro (DOpyera BROthers) y patentando otro sistema de cono en araña y con el cuerpo hecho en madera.. Estas dos compañías volverían a unirse años más tarde y volverían a separarse.
Tras muchos años y muchas visicitudes, actualmente Dobro es parte de Gibson, y National desapareció. En los años 60 fabricaron unos modelos de guitarra eléctrica hechos en fibra de vidrio que a día de hoy son considerados dentro del mercado vintage, más por su valor kitsch que por otra cosa. Un grupo de luthiers expertos en las antiguas guitarras resonadoras en California refundaron National Reso-phonic Guitars (en lugar de National Stringed Instrument Co.), que actualmente produce los mismos modelos (más o menos) que fabricaba originalmente National, con variaciones, como incluir almas, orientados a un mejor funcionamiento del nstrumento. Hay que destacar que este caso es el único en la historia moderna en las cuales la producción de
reediciones de guitarras clásicas ha hehco bajar el precio de las guitarras vintage.
Y en el mundillo se piensa que las nuevas guitarras National son dignas sucesoras de las de los años 30 y guitarras excelentes. A su favor está el hecho de que el metal no tiene el efecto de la madera en el envejecimiento musical,
pero sin duda es bastante impresionante.
FUNCIONAMIENTO
El puente de la guitarra, en lugar de hacer vibrar una tapa de madera (como en las acústicas normales), hace vibrar uno o más conos de aluminio. Estos conos sirven de altavoz, lo que hace que se mueva más aire más eficientemente, lo que hace que suenen entre 3 y 5 veces más fuerte que una guitarra acústica normal. También le dan un característico tono metálico al sonido, ya que el sonido no es producido por una tapa de madera.
SONIDOS
Sí, todo está muy bien, pero, ¿a que suenan? ¿qué estilos de música se pueden tocar con estas guitarras?
Principalmente se suelen tocar con slide, ya que el tono metálico de el slide y el de la guitarra combinan muy bien juntos. La idea del sonido que se consigue es recordable fácilmente de la música de “París, Texas” ESE sonido es una resonadora con slide. Aunque se pueden tocar perfectamente de la manera habitual, siempre que sea roundneck… El fingerpicking queda especialmente bien y suele ser la forma habitual de tocarlo.
En la web de National, así como en la de Master
Guitar (distribución en España), teneis bastantes muestras sobre diferentes modelos. De hecho, National comercializa un catálogo en CD mostrando las diferencias de modelos.
Los estilos
de música en los que son más habituales este tipo de guitarras son el blues acústico, la música hawaiana, el ragtime o cualquier otro estilo típico de años 30 o 40, además del country, como hemos comentado (en variantes tirando más hacia bluegrass o country tradicional) en los Dobros. Este tipo de guitarras tiene un tono muy característico, muy “vintage“, muy “años 30” Parece que estás tocando desde un fonógrafo en el sur del Missisipi
Aunque, como siempre, se puede utilizar en todo por un buen músico. Jerry Douglas ha hecho colaboraciones tocando todo tipo de música.
Las resonadoras de cuerpo de
metal son ampliamente utilizadadas por Ry Cooder, Bonnie Raitt, John Hammond, Bob Brozman (un absoluto experto) o una legión de bluesmen clásicos como Son House o Tampa Red. Los Dobros son un elemento muy importante en la música acústica americana y prácticamente se considera un instrumento diferente.
Mención también a Mark Knopfler, que los ha usado mucho, por ejemplo en “Romeo and Juliet” o “Water of Love” La portada del disco “Brothers in arms” muestra su National Style O de los años 30.
Rec. de la semana IV: “Once in a very blue moon” de Nanci Griffith
Con esta recomendación vuelvo a mis orígines Nanci Griffith es un referente absoluto en mi música, y de esos músicos con los que has aprendido a tocar la guitarra con sus canciones.
Este disco es uno de los primeros de su carrera, del año ‘85, así que hace ya 20 años desde su publicación. Fue su primer disco editado por una compañía que podía vender a todo Estados Unidos, así que representa un paso importante en su consodilación como músico profesional. Nanci Griffith es de esos músicos que, quizá no son superventas ni genios universalmente aclamados, pero tienen ese “toque tan especial” que los hace unos “secundarios fabulosos” (que no secundones) dentro del panorama musical.
Este es un disco eminentemente folk-country, lleno de instrumentos como dobros, violines, guitarras,banjos y mandolinas y lleno de melodías melancólicas y lentas. En algún sitio he leído que es “country progresivo”, clasificación que no entiendo muy bien a qué se refiere. Lo digo porque es el disco ideal para escucharlo con detenimiento, dando importancia a los detalles y aprendiendo algo nuevo cada vez que lo escuchas.
La canción que da título al disco, “Once in a very blue moon”, es una de las destacadas. El autor es Pat Alger, un gran compositor y ha sido interpretada por bastantes cantantes y se ha convertido en un mini-standard dentro de la música country (lo cual es bastante habitual dentro del mundillo country). Para mí siempre será una canción especial, ya que es de las poquitas poquitas que he tocado en público, acompañando a mi madre. (Apunte nostálgico 
)
Hay otras versiones dentro del disco, entre las que me gustaría destacar “Roseville Fair”, una pequeña canción de amor hecha “como de toda la vida” y “Ballad of Robin Winter-Smith”, sobre la muerte real de un acróbata de esos que saltan en moto sobre tropotocientos coches. Esta es una canción curiosa, con un toque irónico y de humor negro sobre este tema, que es francamente original:
I make a livin’ a-playin’ these songs and I hang out in bars
I play my guitar … oh, but honey, I don’t jump over cars
En las composiciones de Nanci Griffith encontramos muchas pinceladas muy recurrentes en su obra, como los viajes (“I’m Not Drivin’ These Wheels (Bring The Prose To The Wheel)”) y lugares como metáforas o como vehículos para expresar sentimientos, siendo muy recurrentes la zona sur de los USA (“Year down in New Orleans”), lo que hace pensar en la de kilómetros que se habrá hecho la pobre; reflexiones sobre el amor (“Love is a hard waltz” o “Time alone”), e ideas políticas, muchas veces “por sorpresa”. “Ghost in the music” es una canción con mucho “tomate”, densa y llena de sentido:
Foreign father… American son, father see what your son has doneHe’s torn up the mountains
And reshaped the plains
The dreams he dreams aren’t the same
En “Love is a hard waltz” se dice:
I know women who gather for the hatred of men
their eyes are as closed as the blind Ku Klux Klan
No me imagino a mucha gente incluyendo una línea sobre el Ku Klux Klan en una canción sobre el amor…
Una canción que me gusta mucho es “Mary & Omie”, sobre el deseo de escapar de el lugar donde uno ha nacido, para luego echarlo de menos. Pero está tratado con mucha amabilidad, con una gran felicidad y también trata sobre una pareja que es feliz.
El disco termina con “Spin on the brick floor”, que es un homenaje a un club de música en Houston. De nuevo, una canción sobre el viaje interminable y el deseo de regresar a casa, aunque esta vez está tratado de modo mucho más animado.
En resumen, un disco estupendo, de esos que te pueden acompañar toda la vida en tu propio viaje interminable…
La muerte de Lennon y los mitos
En estos días que tanto se habla de los 25 años de la muerte de Lennon, he pensado bastante en lo que son los mitos.
Sin duda John Lennon es un mito moderno. Su figura se encuentra en todos los sitios, sus objetos personales (incluidos los más rocambolescos) se subastan por cantidades enormes y sus grabaciones se venden como churros… Creo que cada 2 o 3 meses aparece alguna noticia relacionada con Lennon, lo cual es sorprendente teniendo en cuenta que murió hace 25 años y que produce más noticias (o al menos, de mayor relevancia) que músicos en activo.
La pregunta que me hago es ¿es posible que actualmente haya gente a la altura de mitos como John Lennon? Parece que los “grandes mitos” contemporáneos, aquellos que llenan los periódicos y se crean agrupaciones de fans los aniversarios especiales, forman parte ya del pasado. A lo mejor es la necesidad de morir “a destiempo” (la muerte de George Harrison no parece haber surtido el mismo efecto), o quizá el haberlo hecho en unos “años mágicos” para la cultura popular. Parece que a partir de los años 80 la capacidad del mundo de la música para crear mitos ha decrecido bastante.
No sólo en cuanto a ídolos, sino también en estilos de música, composiciones ¡y hasta incluso guitarras! Parece que los años 80 supusieron un cambio en la “cultura de masas”. Hay muchos admiradores de música posterior, claro, pero parece que no tienen ese halo mágico de la música anterior.
Supongo que la llegada del videoclip tuvo algo que ver, en el sentido que estableció una cultura mucho más visual de “idolo guapito/a del momento”,a la vez que la entrada “a saco” de las multinacionales en el mercado de la música como “otro producto más” dentro de su línea de productos, con el márketing asociado y las ganas de crear música a largo plazo y de calidad que todos conocemos. Dejo un enlace muy interesante sobre la historia de las principales discográficas. A día de hoy, sólo hay 4 multinacionales que dominan de manera muy clara el mercado discográfico: BMG-Sony, Universal, EMI y Warner.
Pero creo que también que la entrada del CD jugó un papel importante. Parece una tontería, pero empezó la moda de las reediciones en formatos distintos de discos clásicos, y se empezó a “revender” la música. A día de hoy estamos inundados de remasterizaciones, ediciones especiales, grabaciones inéditas, etc, etc. Ahora ya se está empezando a sacar (los mismos discos, claro está) en formato DVD-audio. Volviendo a Lennon ¿cuantas “recopilaciones definitivas” se han producido de Lennon? Todo esto no hace más que realimentar los mitos.
Además del hecho de que los CDs y la posibilidad de pasar las canciones han hecho que el concepto de un disco en el que todas las canciones deben tener valor haya perdido mucho. Lo que importa es el single, el resto de canciones no tienen mucha importancia. Y hay que tener un single claro en el disco que se pueda vender. En muchos casos los discos son colecciones de canciones insustanciales y un bombazo. En estas circunstancias, es difícil que un ídolo de masas pase a ser algo más que un producto de usar y tirar y entrar claramente en la categoría de mito.
Mismamente, Dimebag Darrell (guitarrista de Pantera) murió hace un año y de forma muy similar (asesinado por un disparo de un fan). ¿Dentro de 25 años tendremos gente recordándolo de la misma manera? ¿Se recordará a Britney Spears dentro de 30 años de la misma manera que a los Beatles o a Elvis? ¿Si se subastasen unos calzoncillos de Sting serían tan caros como unos de James Dean?
¿O ya no somos capaces de crear los mismos mitos?
Concierto de los Eagles en España
Pues sí, resulta que los Eagles vienen por estos lares por primera vez. En fin, vienen a Barcelona, que suele ser el sitio donde se hace uno y sólo un concierto. Curiosamente bastante después viene Madrid, que realmente le falta una buena infraestructura de conciertos detrás. Fuera de la Plaza de Toros y el recién estrenado Palacio de los Deportes no hay muchos recintos para macroconciertos.
Me he enterado medio de refilón en la radio, está claro que en TV están más interesados en dar programas como “el disco del año”, y los informativos lo dirán el día antes cuando no quedan entradas, junto con la euforia de los fans en la puerta.
El concierto es el día 23 de Mayo, en el Palau San Jordi. Las entradas están a la venta enwww.servicaixa.com
Yo ya he comprado mi entrada, así que nos vemos allí 
¿Y cómo es que suenan las Martin?
Aceptemosló. Es difícil encontrar una Martin en España, y en otros muchos sitios. Las tiendas, si es que tienen alguna, suele ser de gama baja. Y, si hay una de gama “media” o “alta”, parecen tener un temor reverencial a que alguien se acerque a 10 metros.
Si uno pregunta por ellas, contestan: “¿Pero tú sabes que guitarra es esa?” (frase verídica que me ha sucedido). Ya sabemos que, al menos en las tiendas españolas, les tiemblan las piernas de dejarte probar guitarras de más de 1.000€, no vaya a ser que no las compres (o igual es que las compres, vaya usted a saber) y que la “desgastes”. A no ser que seas amiguete del de la tienda, claro. O que llegues con un saco con un signo de dolar en la mano y parezca que vas a comprar la tienda.
Pero como no es el caso…
Y, claro, en Internet o por catálogo uno no sabe muy bien cómo suenan las cosas. Por eso hay que destacar la tienda Maury’s Music , que están especializados en guitarras Martin y tienen una sección fabulosa de vídeos probando diferentes modelos. Varios de ellos de guitarrras de MUY alta gama y con un sonido bastante bueno. Claro, siempre contando con que el sonido de una guitarra acústica (bueno, de cualquier instrumento) es difícil de capturar convenientemente, pero se mantiene muy bien las diferencias entre modelos, los bajos retumbantes de las dreadnought (que son difíciles de captar sin que saturen los micrófonos) y el “sonido Martin”
Lamentablemente, no vende internacionalmente (sólo a USA), pero no dejeis de visitarla…
Nuevo blog
Pues aquí estamos de nuevo, estrenando nuevo blog, mucho más potente, y nuevo (aunque inspirado en el antiguo)
Todavía estoy “peinando” el tema (algunos colorines no están terminados todavía) y habituándome a utilizar el sistema nuevo, pero creo que está muy chulo y espero hacer post de vuestro interés…
Estoy como un niño con zapatos nuevos 
¿Debe crecer este blog?
Bueno, he puesto el post en el foro, pero voy a repetirlo aquí por si alguien quiere darme su opinión.
Bueno, planteo esto por aquí, porque es algo que me ronda la cabeza desde hace tiempo…
El caso es que desde hace muuucho tiempo, me planteo tener mi propia web. Supongo que a todos se nos ha ocurrido… Con el tema este del blog, que mucho gente que conozco me ha dicho que le ha gustado (vale, familiares y amigos, pero algo es algo)
La cuestión es que los blogs en Guitarristas, tal y como están concebidos, son mucho de “consumo interno”, que no es poco, pero me gustaría tener algo menos un blog (que también) y un poco más “una página”, e intentar promocionarlo un poco en el mundo exterior (a pesar de ser un blog de inspiración claramente guitarrística y musical). Tengo artículos que fui colgando como post que quiero revisar poco a poco y ampliar. Me gustaría darle un buen repaso al monográfico de Martin. Me gustaría que la sección “recomendación de la semana” fuese quedando recopilada, etc…
Me gustaría añadir lecciones, con mp3s y demás…
También creo que hay herramientas chulísimas, como el Word Press, para hacer blogs, mucho más potentes de que el blog que hay actualmente. Pero claro, no voy a pedirle a FEI que monte un sistema de blogs distinto sólo porque a mí me de la gana… (y menos con poco más de 500 visitas al blog)
En fin, que le doy vueltas al asunto y más vueltas… Seguro que a muchos os suena del fallido intento de “En Acústico”, al que nadie le hizo ni caso Mr. Green
Lo que pasa que me echa un poco para atrás no tener ni idea de cómo se puede eso mantener con un hosting. No sé ni cuanto cuesta registrar un dominio, ni cómo montar un servidor con la información que quiera, ni si quiero añadir una base de datos como se hace, instalar word press (u otro sistema), etc, etc
En fin, ¿que pensais de todo este tema, creeis que puede tener futuro, o mejor sigo como estoy?
Canciones sobre guitarras y Martin
En realidad no es muy común que haya canciones sobre guitarras propiamente dichas, aunque sí que suele haber bastantes referencias más o menos indirectas. Después de todo, la guitarra es EL INSTRUMENTO de la música “popular” moderna.
En “Sultans of Swing”, se dice “an old guitar is all he can afford”, por ejemplo.
Hay algunas canciones que tratan directamente de guitarras. Por ejemplo me viene a la cabeza “Perfectly good guitar” de John Hiatt, sobre el hecho de romper guitarras. O “This old guitar”, de Neil Young:
This old guitar, ain’t mine to keep.
It’s mine to play for a while
Hay otra canción que se llama igual de John Denver.
Por cierto, la frase “old guitar” se ha vuelto un chiclé. ¿Será porque a todos los guitarristas nos gustan las guitarras viejas?
Sin embargo, lo más curioso es que casi casi nunca (o al menos yo apenas conozco casos) en los que se nombre a una guitarra nombrando el modelo. Yo tengo dos referencias concretamente a Martin, y son las únicas que conozco.
La primera, más “accidental” es “Listen to the radio” de Nanci Griffith.
I’ve got a 00-18 Martin guitar in the back seat of my car.
I am leaving Missisipi with the radio on
Esta frase sóla creo que, para mí, ha sido decisiva en cuanto a mi manía y admiración por las Martin. Lo mitómanos que somos los guitarristas…
Pero no hace mucho he conocido una canción que, directamente, se llama “D-18 song (thank you Mr Martin)”, cosa que me parece bastante insólita. No se me ocurre casi ningún caso de hacer una canción sobre un objeto enfatizando la marca, quizá con la excepción de coches (que de mitificar coches saben mucho los americanos, como en “Silver Thunderbird”)
Copio la letra, que yo la noto tremendamente emotiva y sincera y a la vez la encuentro muy graciosa .
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| Norman Blake (izda) con su D-18. Notad el detalle de que es “slotted”, de las primeritas que se hicieron. El de la derecha es Tony Rice y su D-28, de la que hablaremos también en este blog. |
D-18 song (thank you Mr Martin) (Norman Blake)
In a pawn shop in Odysessa in the fall of ‘64
The pawn shop man was leavin’ he was lockin’ up the door
I ran up just in time and I holler’d just through the screen
Hey, man, you got any good guitars in here,
he said “I got this D-18”
So I gave him a hundred dollars and I took that sucker home
I cleaned it up and strung it hit a chord and heard that tone
It was crisp and clean rich and full all a guitar ought to be
I said Thank you, Mr, Martin, you made this D-18 for me
Said Thank you, Mr. Martin, I’m alright
‘Cause once again this old guitar helped me through the night
I’m mighty grateful to you, you know how to make ‘em right
I said Thank you, Mr. Martin, I’m alright
If I’m feelin’ down and worthless and I haven’t got a dime
Wonderin’ if I spent my life just wastin’ my time
I pick up that old guitar some paper and a pen
I say Thank you, Mr. Martin, you saved my life again.
I’ve written songs about my lovers my family and my friends
My wife my child the old home place and the road that never ends
Heros hobos rock n’ roll and a honky tonk queen
I wrote ‘em all without exception on my Martin D-18
Now It was made way back In ‘43 when I was just a kid
I believe it’s about the best thing Mr. Martin ever did
It plays real good stays in tune and never treats me mean
Thank God for Mr. Martin and that fine old D-18.
Well there’s your Galagher your Gibson your Goya Gretch and Guild
I’ve played every kind of guitar that them guitar makers build
I’ picked on a lot of axes but the best I’ve ever seen
Is my funky beat up wonderful old Martin D-18.
A mí me encanta la parte de comparativa. Deberían usarla en las propagandas.
Bueno, ya sabemos que Martin tiene un aura bastante especial alrededor, sobre todo en lo referente a las guitarras pre-war, y teniendo en cuenta que durante muchísimos años no había alternativas reales de gran calidad de sus modelos más representativos.
Sin embargo, hay otras guitarras que podrían tener alguna canción igual o parecida (la strato, la tele o la Les Paul) y sin embargo, yo al menos no conozco ninguna… ¿Que tendrán las Martin que a los que nos gustan nos gustan tanto?
PD: Por cierto, buscando información sobre esta canción encontré este link sobre un artículo de Janis Ian también sobre una D-18 muy especial. Os recomiendo leerlo.
Las canciones no se traducen
No, no, no… Las canciones no se juzgan por “como suenan” traducidas…
Uno puede buscar una traducción en Internet, o pedirle a un amigo que le cuente de qué va, si no se sabe el idioma lo suficiente como para entenderla, pero decir que sólo dice chorradas y cómo no lo entiendes, te da igual es rotundamente falso. No se cuantas veces he oído la frase “si traducimos la mayoría de las canciones de rock inglés, sólo dicen chorradas”
Para empezar, porque una canción es muuucho más que su letra. Depende tanto de cómo se diga, que una frase vacía y repetida puede sonar viva y fresca en voz de un buen cantante. Hay muchísimos clichés (wahh!, baby!!!, c’mon!!!) que pueden resultar fabulosos y dar energía a una canción, si se cantan como es debido. Si Aretha Franklin dice “Gimme a little respect” no suena a frase de “El Padrino”
Pero, aparte de la interpretación, lo realmente importante es la unión entre música y letra. El ritmo, la cadencia, el fraseo. Hay letras que pueden ser consideradas poesía, pero no es necesario que una letra se aguante sóla, sin música, para ser una gran letra.
Claro, todas estas cualidades depende múchísimo del idioma en el que están escritas. Toda esa poética de elegir la palabra “que encaja” desaparece al traducirla a otro idioma. Queda el significado, sí, pero la música se desvanece. Aparte de multitud de expresiones, frases hechas, dichos, etc que suelen ser de difícil traducción con su significado completo.
Claro, esa poética hay que captarla en el idioma original, no hay más. O uno sabe suficiente del idioma como para apreciarlo, o sólo podemos disfrutar la parte sonora del asunto.
Claro que esto es un camino de doble dirección. Hay unos cuantos grupos que cantan en un idioma que no es el suyo y no lo dominan, así que salen las letras que salen…
Eso sí, lo que estamos de acuerdo es que hay muuuuchas canciones que no dicen más que chorradas, en cualquier idioma 
Wrong Side of Memphis 